¿Do Re qué? (N.E.)
Guía práctica de iniciación al lenguaje musical
Escrito en un lenguaje ameno, ilustrado con 179 figuras y 24 tablas, y completado con 4 útiles índices, ¿Do re qué? es el manual práctico más completo y adecuado para iniciarse con facilidad en el lenguaje musical. Con ¿Do re qué? aprenderás: Música. Su definición y la de los conceptos más usuales. Sonido: elementos, tipos de onda y dimensiones. Ritmo: qué es, cuál es su origen, cuáles son los conceptos con los que se relaciona. Qué es el pulso, el acento, el tempo, el compás, los elementos que modifican la duración… Melodía: definición y orígenes. Las 7 notas de la escala, el pentagrama, las claves, las alteraciones. Escalas, modos y tonalidades. La intensidad, la expresión y la repetición. Interpretación de melodías en cuatro tipos de instrumentos. Armonía: definición, acordes, texturas, cifrado… Interpretación de acordes en piano y guitarra. Forma musical: terminología, análisis estructural de canciones. Formas por secciones simples, variación, imitación, desarrollo… Formas vocales y escénicas. «Este libro debe colocarse entre los CD del melómano, como entre los libros de ensayo que merecen perdurar.» Jazztelia.
Eso no estaba en mi libro de los Beatles (Bolsillo)
La historia menos conocida del grupo más conocido de todos los tiempos
¿Sabía que Frank Sinatra sostenía que Something, compuesta por George Harrison, era la mejor canción de amor jamás escrita? ¿Que los Beatles fueron la primera formación en avanzadilla en la conquista del mundo por parte de la música británica? ¿Qué Quino, el creador de Mafalda, era un beatlemaníaco absoluto y dedicó algunas de sus mejores tiras cómicas a los cuatro de Liverpool? ¿Que el inconfundible sonido y la habilidad del grupo para ganarse al público no se forjaron en los bares y clubs de su ciudad natal, sino durante los duros años que pasaron en Hamburgo? Este libro arroja luz sobre los aspectos menos conocidos del grupo más conocido de todos los tiempos: su gestación, su música, sus logros, sus fracasos, pero también su época, sus influencias, la gente que les rodearon, los lugares relevantes, los “actores secundarios” que fueron cruciales para que todo sucediese como finalmente sucedió. Hay muchos libros sobre los Beatles, pero ninguno es como este. «Cuantos más años tengo, más fan de los Beatles soy». Paul McCartney. «Cuando regresamos de Hamburgo, todos en Liverpool pensaban que éramos alemanes». John Lennon. «A veces era duro ser un Beatle, pero cuando había problemas éramos cuatro amigos que se cuidaban los unos a los otros». George Harrison. «John y Paul hicieron algunas de las canciones más bonitas de la historia». Ringo Starr.
Músicos de Stalin, Los
El resultado de cien años de música rusa
Este libro se ocupa de la música escrita por los compositores rusos más significativos del área rusa desde los últimos años del zarismo hasta la compuesta después de la caída de la Unión Soviética, haciendo hincapié en los maestros que, de una manera u otra, desde dentro y desde fuera, trabajaron durante los años de la dictadura de Stalin. Un repaso desde Glinka a Chaikovski; desde Rimski-Kórsakov a Músorgski; desde Rajmáninov a Stravinski, Prokófiev, Shostakóvich y sus herederos. Defiende la tesis de que los que trabajaron en los años de acero fueron el resultado de un poliédrico proceso que arranca con un coloreado y potente movimiento nacionalista hasta alcanzar una vanguardia que solo a veces es capaz de expresarse con autonomía, debido a la permanente mediatización de su asfixiante dependencia política. Indirectamente, pues, habla de las relaciones entre el espíritu de lo ruso y su inagotable y magnífica inventiva. El autor pone su empeño en clarificar ese escenario, tratando de separar la paja, que es mucha, de un trigo que pudo crecer gracias al enorme talento de unos cuantos compositores que desarrollan su arte inmerso en la inmensa mediocridad oficialista. E igualmente expone los datos necesarios para encontrar explicaciones a la posterior deriva que conduce a la sequía musical producida en la Federación Rusa desde el momento mismo de la caída del imperio soviético. El punto sin retorno de esta funesta evolución es un estado actual de la sociopolítica en el que es difícil detenerse, pero que queda encarnado en una cruenta y letal mezcla entre (in) cultura, violencia, irracionalidad religiosa e impenitente imperialismo. Como ya sucediera en sus libros anteriores para Almuzara, en este vuelve a hacer un repaso exhaustivo de los contenidos, bajo una perspectiva dominada por la sencillez y un esforzado intento de descender hasta el alma de la música. Un alma que, en este caso, tiene que ser arrancada a los pentagramas bajo el signo de la autodestrucción, ese rasgo tan grandioso, y a la vez doloroso, de la gran creación rusa. «Pedro González Mira domina en sus libros el arte, casi imposible, de escribir sobre música, porque sabe expresarse con claridad, sin enredarse en zarandajas técnicas ni perderse en vaguedades o jergas indescifrables. Comparte sus ideas muy personales, que son muchas, y sabe ponerlas al alcance de todos». Luis Gago, crítico musical de El País.
Cómo crear música publicitaria
Un libro imprescindible para conocer las claves de la música publicitaria o promocional y aplicarlas de un modo práctico y eficaz
Los beneficios que la música puede aportar a nuestra imagen, marca o canal web son enormes. Su capacidad persuasiva hace de ella una herramienta altamente eficiente para promocionar cualquier idea o concepto. La música inunda nuestra parte emocional, y en el ámbito publicitario es crucial por muchas razones; aporta notoriedad al concepto, le otorga su propia personalidad y lo diferencia de cualquier otro, sirve como un recurso descriptivo, apoya lo que narra la imagen y se convierte en un elemento muy poderoso para llamar la atención. Pero de entre las innumerables funciones que tiene la música como herramienta de persuasión, la más importante es su capacidad para activar el recuerdo. El contenido sonoro que arropa a la publicidad es uno de los recursos responsables de que el mensaje y la imagen sean retenidos por nuestra memoria con una facilidad asombrosa; de ahí que se haya hecho imprescindible. Ese debe ser el objetivo para conseguir, que el público recuerde aquella imagen o marca que nos identifica con solo escuchar una breve melodía. En ese caso habremos logrado crear una fructífera y productiva identidad sonora. Cuando utilizamos la música para tal fin, debemos ser conscientes de que en su diseño debemos invertir el mismo tiempo y recursos que en el de un logo y, si la tomamos prestada, saber que es uno de los elementos más costosos, debido a la adquisición de derechos de autor. Si te estás iniciando en el mundo audiovisual y quieres crear una huella sonora para tu proyecto, si eres músico profesional y estás interesado en cómo componer música publicitaria, o si simplemente tienes curiosidad por saber más sobre cómo se emplea el sonido para promocionar una imagen, este libro te ofrece, en un lenguaje sencillo y ameno, cómo componer tu propia música o adquirir una ya creada para añadirla a tu proyecto publicitario. Una guía estructurada en siete bloques donde encontrarás los elementos, tipos y recursos sonoros más utilizados en publicidad; sabrás qué es el Audio Branding, cómo se emplea y qué objetivos persigue; nos adentraremos en el mundo del copyright, los derechos de autor y las diferentes licencias para proteger tu música, incluyendo algunas de las mejores websites para descargar música de forma legal que podrás, incluso, añadir en tu canal de YouTube. Todo ello con ejemplos y recomendaciones que harán más fácil poner música a tu proyecto. ¡Ah!, y una guía sobre el programa de edición más utilizado por músicos y diseñadores de sonido, Kontakt, para que puedas ser tú el propio compositor.
Historia de la gran música para piano
…y otros instrumentos de teclado
Un viaje, en fin, por la historia de la música para piano, desde las primeras espinetas a los teclados más complejos, desde Bach hasta la penúltima modernidad, plagado de arte y pasión y escrito por uno de los críticos musicales de referencia. Estas páginas son un regalo para aquellos que se interesen por la música para piano y sus autores. Un regalo repleto de emociones musicales que repasa las creaciones más importantes y emblemáticas del género. Más allá de la historia del propio instrumento, con certeza el que más y mejor música nos ha legado, el autor nos guía a través del «pianismo» de Mozart y de románticos como Chopin, Liszt o Brahms, con Beethoven y Schubert como eje central, pero sin dejar de mirar hacia los necesarios orígenes: Cabezón, Frescobaldi, los Couperin, Domenico Scarlatti y, naturalmente, Bach. No solo como antecesores de derecho, sino como portadores de verdades musicales transmisibles al teclado moderno desde sus viejas consolas instaladas en los grandes órganos y los más domésticos clavicémbalos. Páginas que miran hacia la modernidad de Debussy, Albéniz o Ravel, sin olvidar al «mestizo» Gershwin o al padre de la música actual norteamericana, Charles Ives, analizando su procedencia y sus fundamentos, amén de la inasible belleza de sus composiciones. A través de estas páginas, conoceremos las distintas maneras de afrontar la creación y la personalidad de cada compositor para comprender su realidad más intangible y su propio e indeleble sello personal, algo que, sin duda, supone mucho más que una determinada manera de combinar las notas. «El autor, fundamentado en su larga experiencia de aficionado y de estudioso, va llevando al lector por un camino bien delimitado, orientándolo, conduciéndolo suavemente.» Arturo Reverter, crítico musical.
«Pedro González Mira tiene una pluma rigurosa, veterana, melómana y amena de la musicografía española (…), es un humanista en el más hermoso y legítimo sentido de la palabra.» Justo Romero, crítico musical. Durante siglos el órgano fue el instrumento del Rey. Pero desde el siglo XVIII el piano ocupa el puesto de honor. Este libro es un compendio pianístico, pero también se ocupa de la música para órgano y clavecín, las auténticas fuentes del piano.
Música e inspiración
Conversaciones con Brahms, Strauss, Puccini, Humperdinck, Bruch y Grieg
El proceso creativo es una mezcla de técnica, entendimiento, fuerza de voluntad, don de la imaginación, fantasía, determinación, deseo ardiente. Y por muy buena que sea la ejecución, no habrá ninguna composición que perdure si no tiene inspiración. Cuando viene, la inspiración es de tal sutileza y finura (como un fuego fatuo) que escapa a casi toda clasificación. La inspiración es un despertar, una activación de todas las facultades humanas. El gran secreto de todos los genios creadores se encuentra en el hecho de que poseen la fuerza de apropiarse de la belleza, riqueza, grandeza y excelsitud que hay dentro de su alma y, al mismo tiempo, de comunicar tal riqueza a los demás. En este libro, Arthur M. Abell recoge el testimonio de seis importantes figuras de la música occidental —Brahms, Strauss, Puccini, Humperdinck, Bruch y Grieg— en relación con sus experiencias espirituales, psíquicas y mentales en el momento del impulso creador. Además, nos invita a conocer el contexto cultural europeo de principios del siglo XX a partir de la experiencia vital de sus protagonistas.
